En Viccarbe apostamos por dar voz y visibilidad a proyectos que nos mueven, que son una fuente de optimismo y reflejan nuestra más pura esencia Designed in the Sun. Por ello, esta semana compartimos contigo la charla con la artista Inma Femenía para nuestra sección Viccarbe Talks, entrevistas realizadas desde el Mediterráneo para el resto del mundo.
Inma Femenía es una joven artista valenciana que, con una sensibilidad profunda, manifiesta en sus obras cómo nuestra forma de percibir el mundo está condicionada por la creciente cultura digital. Su trayectoria se caracteriza por una intensa experimentación sobre los efectos que ejerce la luz en los distintos materiales que residen hoy en día en nuestro entorno.
Hoy hablamos con Inma acerca del poder de luz y la conexión entre el arte y la tecnología que materializa en sus exposiciones.
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¿Quién es Inma Femenía?
Soy una persona que intenta ser honesta con su trabajo, con muchas inquietudes y que ha tenido la suficiente capacidad para materializarlas y llevarlas hacia el terreno artístico, sobre todo al visual. Mi trabajo ha conformado mi personalidad y creo que me define y describe.
¿Cuándo comenzó el arte a formar parte de tu vida?
Creo que cada uno tiene una visión y una sensibilidad, que desarrolla más o menos, y yo me di cuenta de que a mí me resultaba fácil desarrollarla. El punto de partida quizá se produjo cuando empecé a estudiar, porque antes puedes tener inquietudes, pero hasta que no estudias no profundizas en ellas.
¿Cómo nació la idea que da pie a Infraleve, tu última exposición?
Todo surgió de modo muy natural de la mano de las comisarias, Nuria Enguita y Julia Castelló. Lo vimos muy claro desde el principio. Infraleve es la exposición más grande que he hecho hasta ahora, no solo por el espacio sino también porque tenía que mostrar mi trabajo acumulado en diez años de carrera. Partí de lo esencial y de lo general hasta llegar a lo particular y, cuando estaba en el espacio, por un lado, concebí una nave iluminada con la propia luz del lugar, tal cual está instalada, y, por otro, una sala en la que quería cerrar el paso a la luz procedente del exterior, porque me interesaba que la fuente luminosa brotase de las pantallas led.
Por lo tanto, en tu obra la luz es muy importante.
Es el todo, el germen que inicia el trabajo. De ella parten mis obras, mi observación y mi manera de ver las cosas. Luego, dentro del estudio, he ido evolucionando y desarrollando los demás conceptos. A lo largo de mi carrera he efectuado pausas con diversas inquietudes, con cosas que suceden o con la forma en que nos relacionamos y comunicamos a través de la luz de los pixeles de las pantallas.
¿Crees que la tecnología nos conecta o nos separa?
Cuando hablamos de tecnología no soy pesimista y creo que va un poco a la par. La tecnología nos une. Hemos comprobado, especialmente ahora con la pandemia, que el mundo se ha globalizado y nos hemos dado cuenta de cómo podemos estar unidos, aunque nuestra naturaleza nos induzca más a tocar. Y, aunque hacemos un buen uso de ella para mantenernos conectados, también hay que mirar la cara b, ya que es posible que esa misma tecnología nos esté focalizando únicamente hacia una sola conducta y, tal vez, eso nos deshumanice un poco.
¿Cómo condiciona la cultura digital nuestra manera de percibir el entorno?
Nos condiciona de una manera totalmente lineal, transversal, pero al mismo tiempo lo lleva a cabo de un modo inconsciente. Eso es algo que he tratado en diferentes trabajos como Mehr Licht!, que es la obra de la pantalla de led puesta de espaldas al espectador. Es así como toda la publicidad de las pantallas de led del centro de las ciudades atrae nuestra atención y nos hace adoptar una cierta conducta.
¿El diseño condiciona a la hora de concebir un espacio?
Totalmente. Los creativos lo que hacemos es pensar en diferentes fases para que el espacio resulte bello y agradable. Aunque toda la gente no busque esas cosas, nosotros sí pensamos en ellas para que el diseño ayude a tener un mejor día a día y permita que una ciudad resulte más o menos amable.
En tu opinión, ¿qué tienen en común el diseño y el arte?
Hay una línea muy estrecha, cada vez más difuminada, que los separa. El diseño siempre está respondiendo al cliente, mientras que en el arte el cliente viene después, no es algo previo. Pero esa diferencia, repito, está muy difuminada, porque ahora el diseño y el arte tienen el poder de modificar opiniones y formas de ser. Creo que cada vez confiamos menos en que la política cambie las cosas, pero sí depositamos nuestra confianza en que los creadores, a través de su trabajo en el espacio, consigan que observemos una conducta u otra.
En tus trabajos a menudo empleas aluminio o PVC, ¿a qué obedece esta elección de materiales?
Creo que responde al hecho de que continuamente he tropezado con ellos en mi día a día. Siempre he utilizado materiales que interactúan con la luz, por ejemplo, los plásticos con transparencia o los metales que la reflejan y absorben. Por lo tanto, mi elección se debe a las cualidades intrínsecas de estos materiales.
¿Qué papel juega el espectador en tu trabajo?
Cada vez más le adjudico el papel de protagonista y, después de esta exposición, lo tengo aún más claro, porque he visto cómo reaccionan visualizando lo que he hecho. Para mí el espectador es la persona que hace que la obra sea suya y ese es el objetivo fundamental. Mi pretensión es conseguir que, cuando se instale en un espacio, sea él quien lo recorra, perciba y experimente. Experimentar es una cuestión muy importante.
¿Hay influencias en tu obra?
Claro, absolutamente. Muchos artistas, arquitectos, diseñadores… Todo lo que nos rodea nos condiciona. Desde el momento en que abro mi móvil y miro Instagram ya recibo influencias. Creo que día a día todos estamos conformando algo conjuntamente y elaboramos un lenguaje contemporáneo, aunque de modo paralelo hagamos cosas más en pequeño.
¿Con quién te sentarías a charlar en una silla de Viccarbe?
Con Jaime Hayón, porque está en Valencia y no he tenido todavía la oportunidad de conversar con él. Me gusta su diseño tan bello, que me transmite calma. Quizá sea por sus formas suaves y orgánicas.
¿Qué próximos proyectos tienes ya en mente?
Cada vez tengo más proyectos a largo plazo, algunos todavía pendientes de consolidación. Pero están apareciendo muchas cosas interesantes y trabajo de la mano de galerías, instituciones o fundaciones, que permitirán que mi obra continúe creciendo.
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Fotografías por Mariela Apollonio, Jabali Studio, y Daniel del Monte
www.inmafemenia.com
